他用“梵音”来形容自己的绘画，梵音是佛教用词，它有清净、平和和深远的特质，这是他离开音乐圈之后的生活状态，但是用一种声音来形容绘画的风格还是让人有些好奇，难道他是在以音入画？

二十年音乐，十年绘画，他总结道：视觉和听觉是分不开的。
他喜欢爵士乐，爵士乐在有一个基本结构之后，中间可以有即兴和偶发的表达，这个过程是一个实验和探索的经历，当来到画布前，并不规定自己一定要画什么，而是在意外的节奏中唤醒感官的清醒，瞬间的共鸣中获取灵感，随手而画。所以语言文字、绘画、音乐、电影等等都是一样的，大家都会在通感过程中相互借鉴和吸收。比如在崔健的团队中，他开始是负责和舞台相关的，其中有一首歌叫《一块红布》这个舞台在做的的时候就很像一个装置作品，木质结构搭出工地的效果，巨型的红布从上垂下来作为视觉引导，画面给声音增强了力量感。

所以很多人在评论他的绘画时会说，他的绘画具有音乐性，音乐有它的和声结构，其实就和色彩的结构一样，艺术之间是通感，不是割裂开来的，比如宫廷的古典油画搭配上交响乐就非常和谐。视觉和听觉的吻合是因为这两种感官原本就是一体，欣赏梁卫平的绘画你能感觉到色彩的流动，音符的震颤，音乐节奏的起伏，时而空灵缥缈，时而浓郁沉重，激昂有力。

我对于他重回绘画的理解像是一个音乐者的归隐，不用再去想一场演唱会或者一场活动，不用和众多人打交道，生命进入一个做减法的过程。包括他的绘画的色彩也是简约舒朗，没有过多的修饰。

他的画面是灵动变化着的，像音乐一样在流淌，所以这不是纯抽象的概念，很多时候是发自内心的想象去结构色彩，再不断表达形成连贯性，它就逐渐有了个人的指向性，或者说表达了自己的一种态度。

我问他回归绘画之后最大的感受是什么，他说能把自己听觉的东西用视觉呈现，能够发掘自己一点点的内心就很快乐。所以他不用符号的图案去重复绘画，每天给生活带来一种未知，不知道明天是否会发现新的视觉图式，给自己每天增加了很多课题，在对绘画的探索中完成内心的修行。